Walking on the mindscape - 남경민의 회화 ● 남경민은 2005년 개인전 이후 현재까지 화가의 작업실, 나비채집, 서재 시리즈 등 일련의 실내풍경을 이어오고 있다. 남경민 회화에서 중요한 것은 화면위에 표상된 것이 실재 풍경이 아니라 그것에 의해 창조되는 보이지 않는 영역이다. 실재 풍경위에 중첩되는 비현실적인 풍경은 작가의 언급을 빌리자면 '내면의 풍경mind scape'이며 또한 현상적인 세계에 대한 관념을 초월하는 '메타 리얼리티'의 세계이다. ● 선명한 색채의 화면에 식탁과 의자, 침대와 책장, 창문과 거울 등의 실내 오브제들이 그려져 있음에도 불구하고 그의 화면이 친숙하지 않고 오히려 일종의 기이한 낯섦으로 혹은 소외와 고독의 뉘앙스로 다가오는 것은, 여러 시공간이 중첩된 화면의 독특한 이중적 구조와 상징과 알레고리를 동반한 오브제들, 그리고 무엇보다도 부재와 침묵이 주는 긴장감에 기인한 것이다.

남경민_렘브란트 침실_리넨에 유채_150×227cm_2009

대가들에 대한 오마쥬, 부재로서의 풍경 ● 부재로서의 의미는 '화가의 작업실'과 '화가의 방'에서도 유효하게 작용한다. 남경민 회화의 대표적인 시리즈인 '화가의 작업실'과 '화가의 방'은 고전과 미술사적 텍스트에 대한 경외심과 그에게 영감을 준 거장들에 대한 오마쥬homage에 기반 한 것이다. 르네상스부터 20세기까지 미술사의 원전은 남경민의 참조와 인용의 아카이브이자 저장소이다. 거장들의 작업실을 재구성하여 시리즈로 전개하는 것은 소재적 차원을 넘어 철저하게 고립된 상태에서 자신과 마주하고, 고통과 환희, 고독과 불안이 교차하는 거장들의 창조적 공간에 대한 관심과 동경에서 출발한다. 화가의 방과 작업실이 부재와 침묵, 쓸쓸함의 심리적 풍경인 것처럼 보이는 것은 바로 작가로서 느끼는 소외와 고독이 과거 거장들의 작업실로 전이된 결과일 수 있지만 무엇보다도 화가의 작업실이 그 자체로 부재의 표상이기 때문이다. 죽은 자의 유품이 오히려 그의 존재를 강력히 환기시키듯이, 「렘브란트 붉은 침실」과 「고흐에 대한 기억」 「프리다의 침실」 등에서 화가들이 머물렀던 빈 침대와 빈 의자 등은 오히려 그들의 존재를 부재로서 강화한다. 여기서 화가들의 공간을 날아다니는 나비는 탈 육화된 화가들의 영혼이자 창조적 에너지로서, 현재는 부재한 그들의 존재에 대한 환영인 것이다. 남경민은 화가들의 작업실을 도상적으로 제시하려 한 것이 아니라 작품을 통해 부재의 암시, 즉 보이지 않는 부분을 드러내고 작가의 내면세계를 표현하려 했던 것으로 보인다. ● 화가들의 작업실과 방을 인식하게 하는 것은 그들의 작품과 오브제, 전체적 분위기로서 암호화되어 있어 누구의 작업실인지 알아차리는 것은 이전의 작품들에 비해 해석을 요구하기도 한다. 「피카소」이나 「고흐에 대한 기억」에는 화가의 작품이 포함되어 있지 않아 이 공간이 그들의 작업실인지 알아차릴 확실한 알리바이는 없다. 「피카소」에서는 화가의 뒷모습과 함께 위로 뻗어 올라간 나선형 계단이 진보로서의 유토피아를 의미화 하는 모더니즘의 아버지 피카소를 연상시키며, 「고흐에 대한 기억」에서 반 고흐는 병속에 유폐된 날개와 꺼친 초로 완성되지 못한 예술가로서의 짧은 생을 소환한다. 최근 들어 남경민은 화가의 존재를 상징과 역설의 차원에서 재구성하고 있다. ● 남경민 회화에서 대가에 대한 오마쥬의 방식은 「화가의 서재-마네에서 워홀까지」, 「N-바로크 서재를 거닐다」 등의 일련의 서재 시리즈와, 레오나르도 다빈치의 「최후의 만찬」을 재해석한 「화가들의 향연」에서 절정에 달한다. 서재 시리즈에서 작가는 마네, 드가, 세잔, 쇠라 등의 인상파 화가들과 베르메르, 벨라스케츠, 카라바지오, 렘브란트 등의 바로크 거장들의 이름이 새겨진 책들을 작품과 상징적 오브제들과 병치하여 고전에 대한 경외를 극대화한다. 「화가들의 향연」에서는 얀 반 아익, 벨라스케스, 렘브란트, 베르메르, 마네, 세잔, 모네, 반 고흐, 마티스, 피카소, 마그리트, 호크니 등 작가가 경외해온 열 두명 대가들의 존재를 의자로 치환하고 만찬의 성체를 대가들의 상징 오브제들로 전치시켜 그들과 나란히 한 작가 자신과 대가들과의 연결고리를 형성한다.

남경민_피카소_리넨에 유채_194×130cm_2008

상징과 알레고리의 공간 ● 남경민의 실내풍경에는 일상의 오브제와 함께 도상학적 해석을 불러일으키는 수많은 오브제들이 반복적으로 등장한다. 남경민 회화의 시각적 아카이브로서 작품 전반에 출몰하는 해골, 모래시계, 꺼진 초, 날개, 나비, 백합, 투명한 병 등의 오브제들은 상징적 의미를 내포할 뿐 아니라 다의미를 드러내면서 작품을 복잡하고 다층적인 상호 텍스트적 공간으로 전환시킨다. 또한 그의 오브제들은 서로가 서로를 참조하고 연상 작용을 일으켜 관람자 의식의 자유로운 흐름을 유도한다. 남경민 회화의 오브제들은 이중성의 맥락으로 단일하고 확정적인 기의의 부재를 특징으로 하면서 평범한 실내풍경을 상징과 알레고리의 다성적 공간으로 전환시키는 것이다. ● 하나의 의미에 또 다른 의미를 침투시키는 오브제의 알레고리적 수사는 화가의 작업실, 실내, 서재 등의 공간을 가로질러 부유하는 나비에서 드러난다. 「렘브란트의 침실」에서 나비는 예술가 영혼의 은유이자 그림의 환영에 대한 메타포이고, '화가들의 작업실' 시리즈에서 나비는 가냘프고 섬세한 예술가적 기질이자 예술가 자의식의 흐름이다. 화려한 비상이면서도 쓸쓸한 초라함이고, 희망이면서도 불안함과 상처이며, 때로는 텅 빈 실내 풍경에서 생경함과 공포감마저 불러일으키는 나비는 그 의미가 끊임없이 치환되는 수사적 상태를 유지하면서 현실과 비현실의 경계를 넘나들게 하는 강력한 기제로 작동한다.

남경민_컬렉트 로버트 리먼씨의 서재_리넨에 유채_162×242.3cm_2009

남경민 회화에서 나비가 마치 '장자의 나비'와도 같이 꿈과 현실이 교차하는 이중적 중첩부분들을 예시한다면 해골은 삶과 죽음의 이중적 수사이다. 해골은 허무함에 대한 절정이라 할 수 있는 죽음인 동시에 영성의 양가적 의미를 내포한다. 남경민 회화에서 촛불은 꺼짐과 켜짐에 의해 존재와 부재사이를 오가며, 날개는 이카루스의 그것과도 같이 비상에의 욕망과 끝없는 추락의 양면을 드러내준다. 모래시계는 시간의 흐름과 정지 및 생의 유한함을, 백합은 회화의 순수성과 진정성을 상징한다. 투명한 병은 변하지 않은 진리의 본질이지만 깨지기 쉬운 속성으로 인해 연약함이라는 양면성을 공유한다. 또한 간헐적으로 등장하는 예수 그리스도 상은 구도자로서의 '신'이면서 슬픔을 내면화한 '인간'이다. ● 남경민 회화의 오브제들은 해골과 촛불, 날개 등에서처럼 죽음과 상실의 코드를 지니며 삶과 죽음, 존재와 시간과 같은 철학적 인식론을 불러일으킨다. 그의 회화가 '감각'적 색채로 충만하지만 '사유'의 공간을 열어주는 것은 바로 이러한 이유에서 일 것이다. ● 비결정적이고 이중적인 의미들로 가득 찬 남경민 회화의 오브제들은 한 화면에서 중첩되거나 연쇄 고리처럼 연결되어 남경민 회화의 확실한 독해를 유보한다. 촛불과 해골, 날개와 백합이 수태고지와 낙원 추방의 풍경과 어우러진 작품 「수태고지1- 초대」가 관람자의 확실한 의미 해석을 지연시키듯이 남경민의 회화는 '거듭 고쳐 쓴 양피지의 사본'과 같이 근본적으로 해독 불가능한 서사, 알레고리를 창출해낸다. 은유와 환유를 오가는 그의 그림 앞에서 관람자들은 암호화된 메시지를 해독하려는 지적 게임에 개념적으로 참여하고 시적인 연상 작용을 즐거이 경험하게 되는 것이다.

남경민_사유의 풍경으로 걸어가다_리넨에 유채_162×260.6cm_2008

시공간이 중첩된 남경민 회화의 이중 구조 - 언어로 의미화 할 수 없는 영역 ● 남경민 회화는 창과 문으로 인해 안과 밖이 소통하고 한 화면에 여러 시공간이 중첩되는 독특한 이중 구조를 견지한다. 실재전경임에도 불구하고 커튼, 창문, 거울, 계단 등은 또 다른 공간을 상정케 하고 한정된 공간을 확장시킨다. 남경민 실내 풍경의 초입에 그려진 커튼과 문은 다른 시공간으로 진입케 하는 경계의 지점 즉 일종의 문지방threshold으로, 이는 화면 밖의 공간에서 화면을 바라보는 관람자 주체의 존재를 가정하게 만든다. 그럼으로써 관람자가 서있는 커튼 앞의 공간, 커튼 너머의 내부 공간, 창문 밖의 공간, 거울 속 공간 등 여러 시공간의 레이어들을 화면에 중첩시킬 수 있게 되는 것이다. 예로 「피카소」에서 커튼과 나선형 계단은 현재 관람자(작가)의 위치와 과거 피카소의 작업실 공간, 그리고 나선형 계단으로 암시되는 미래의 유토피아적 시공간을 뒤섞어 놓으며 시공간의 일관성을 무화시킨다. ● 따라서 남경민의 회화에서 내부공간과 외부공간을 연결하는 소통 창구로서 창과 문 등은 지정학적 경계면이라기보다는 물리적 공간과 심리적 공간이 만나는 지점으로, 의식의 자유로운 흐름을 가능케 하는 투명한 막screen인 것이다. 특히 밖으로 뚫린 창문은 현재의 은폐된 세계를 외부로 열어주는 통로로서 하나의 세계에서 다른 세계를 열어주려는 회화가 가지는 이상과 맞닿아 있다. 이를 반영하듯 그의 그림에서 창문은 그림과 중첩되어 있는데, 창문이면서 회화이고 그림이면서 외부로 향한 창인 이곳은 르네상스 이래 회화가 지향 해온 실재를 향한 창이면서 우리를 목마르게 하고 동경하게 하는 일상의 저편으로서의 이상적 세계를 가시화한다. ● 창문과 함께 남경민 회화에서 지각적 공간을 재구성하게 하는 것은 바로 거울이다. 특히 거울과 창문의 반영 이미지는 기존의 익숙한 시각체계를 왜곡시키면서 지각 공간의 통일성과 시공간의 일관성을 해체한다. 예로 「세 개의 의자」에서 하나의 의자는 이중 삼중의 반영구조로 거울 속에 비치면서 이질적인 시공간을 함축하고 공간을 거울 깊숙이 밀어 넣는다. 「몬드리안의 작업실2」에서 전면의 거울은 거울 앞 정경을 그대로 반영하는 대신, 반영된 것이 거울 외부의 것인지 내부에 속해있는 것인지 거울표면에 그려진 것인지를 모호하게 한다. 「수태고지2」의 거울에서는 반영되어야 할 대상에서 천사가 제거되어 있으며, 「휴식-바로크 거울 속으로 들어가다」에서 거울은 거울 앞의 대상이 아닌 거울과 동일한 표면의 대상을 반영한다. 남경민 회화에서 거울의 반영 이미지는 대상과 맞물리면서도 묘하게 어긋나 있음을 알 수 있다. 그의 그림들이 알 수 없는 불안함과 낯섦을 동반하는 것은 바로 안정된 지각의 중심을 흔들어 놓는 이러한 독특한 화면구조 때문일지도 모른다. ● 고전풍의 실내를 배경으로 한 「수태고지2」, 「화가의 나비채집」, 「슬픈 아름다움은 아름답다」 등에서 이러한 기이한 불안함은 감지된다. 작가는 과거를 보존하는 박물관, 아치형의 고전적 건축구조, 수태고지의 천사 및 고전 조각 등 오래된 것들을 현재 지점으로 불러온다. 오래전부터 친숙했던 이러한 것들은 아르카익적인 고요함과 이를 흔들어놓는 나비 떼들의 움직임, 빛과 어둠의 미묘한 교차로 인해 더 이상 친숙한 것이 아닌, 폭풍전야와 같은 내적 긴장감과 낯선 두려움을 자아내게 한다. 불안과 긴장의 강도를 증가시키는 원근법적 장치는 친근함과 낯설음이 근접하는 이러한 언캐니적 감성을 강화한다.

남경민_화가의 나비채집_리넨에 유채_162×242.3cm_2009

남경민의 회화는 익숙한 대가들의 이미지를 오마쥬의 형식으로 빌어오지만 일반적으로 획일화된 상징이 아니라 명료한 언어 바깥에 존재하는, 언어로 의미화 되지 않는 영역을 불러일으킨다. 그것은 여러 의미들이 중첩되는 오브제들의 알레고리적 효과와 안정된 지각을 교란하는 독특한 공간구조에 의해 가능한 것이었다. 그의 회화는 불가사의하고 독해 불가능하지만 우리의 평온한 의식을 찌르는 푼크툼의 세계이다. 맞물리면서 어긋나는 남경민의 회화는 그가 주목하는 '창문'의 자리에 있을지도 모른다. 안과 밖의 경계에, 시각적인 것과 언어적인 것 사이에, 의식과 무의식 사이에, 실재와 마음의 경계 말이다. 그리고 그 경계에서, 그것이 만나는 경계의 틈에서, 우리의 의식은 균열을 일으키고 인식의 영역은 확장된다. 그때 비로소 내면의 세계, 마음의 풍정을 제대로 거닐고 흡수할 수 있을지 모른다. ■ 배명지

남경민_슬픈 아름다운은 아름답다_리넨에 유채_130.3×194cm_2009

Walking on the Mindscape - Paintings of Nam Kyung-Min ● Since her solo exhibition in 2005 until now, Nam Kyung-Min has continued to paint indoor landscapes, which include artists' studios, butterfly collections and study series. The most important fact in Nam's paintings is that it is not actual landscapes expressed on the picture-plane, but an invisible domain that was created by them. The unreal landscapes that overlaps on top of the actual landscapes is, to quote the artist, a "mind scape," and a world of "meta reality," which transcends all ideas about the phenomenal world. ● Though indoor objects such as tables, chairs, beds, bookcases, windows and mirrors are painted on a picture-plane of vivid colors, the reason her picture-planes do not seem friendly but come to us with a certain strangeness or with a nuance of alienation or solitude is because of the peculiar dual structure of the picture-plane, which consists of many layers of time-space, the objects that accompany symbolism and allegory, and most of all, the tension given by absence and silence. Homage to the Masters, Landscape as Absence ● The significance as absence is valid in the "Artist's Studio" and "Artist's Room" as well. These representative series of Nam Kyung-Min's paintings are based on awe toward classics and art historical text, and homage to masters, who gave her inspiration. From the Renaissance to the 20th century, original texts of art history have been the archive and storage place for Nam's references and quotes. The recomposition of the masters' studios in a series of paintings begins from interest and aspiration for the creative spaces of the masters, where they faced themselves in a strictly isolated state, and where pain, pleasure, solitude and instability intersected. The reason the rooms and studios of the artists look like psychological landscapes of absence, silence, and loneliness could be because the alienation and solitude felt as an artist were transferred to the workspaces of the late masters, but rather it is because the artist's studio is a symbol of absence itself. As the belongings of the dead evoke his/her presence even more strongly, the empty beds and chairs in Rembrandt's Red Bedroom, Memory of van Gogh, and Frida's Bedroom strengthen their existences and absences. The butterflies that fly around in the artists' spaces are de-materialized souls or creative energy of the artists, which are illusions of the beings do not exist today. Nam Kyung-Min did not intend to present the artists' studios iconographically, but seems to have wanted to suggest the absence, or reveal the invisible, through her works, and express her inner world. ● What enables us to perceive whose studio or room it is, is the works, objects and the overall atmosphere, which is in code and requires further interpretation compared to the previous works. In Picasso or Memory of van Gogh, there are no images of the artists' works to serve as certain alibis to confirm that the spaces are in fact the studios of the artists. In Picasso the spiral stairway that stretches up together with the artist's rear view reminds us of the father of modernism Picasso, who signifies Utopia as progress, and in Memory of van Gogh, van Gogh summons his short life as an uncompleted artist with wings confined in a bottle and a blown out candle. Recently, Nam has been recomposing the existence of artist from a dimension of symbolism and paradox. ● In Nam Kyung-Min's paintings, the method of homage to masters reaches its peak in the study series such as From Manet to Warhol and Roaming in a Baroque Study, and Artists' Banquet, which re-interprets Leonardo da Vinci's Last Supper. In the study series, the artist juxtaposes books with the names of Impressionist masters such as Manet, Degas, Cezanne and Seurat, and Baroque masters such as Vermeer, Velasquez, Caravaggio and Rembrandt with art works and symbolic objects to maximize her awe toward classics. In the Artists' Banquet, the existence of twelve artists revered by Nam—Jan van Eyck, Velasquez, Rembrandt, Vermeer, Manet, Cezanne, Monet, van Gogh, Matisse, Picasso, Magritte and Hockney—is replaced by chairs, while the Holy Communion is replaced by objects that symbolize the masters, forming a link between Nam and the masters. Spaces of Symbolism and Allegory ● Nam Kyung-Min's inner landscapes show numerous repeated objects that trigger iconographical interpretation. The objects that appear in Nam's paintings as visual archives, such as skulls, hourglasses, blown out candles, wings, butterflies, lilies and transparent bottles, not only have symbolic connotations, but also reveal multiple meanings that transform the works into complex and multi-layer mutual textual spaces. Furthermore, her objects refer to each other and cause association to lead spectators to free flow of consciousness. The objects of Nam Kyung-Min's paintings, characterized by single and decisive absence of signifiant based on a context of duality, transform normal inner landscapes into complex space of allegory. ● The allegorical rhetoric, which penetrates a different meaning in a given meaning, is revealed in the butterflies that float throughout the spaces such as the studios, indoors and studies. In Rembrandt's Bedroom the butterfly is a metaphor of the artist's soul, and of the illusion of painting. In the "Artist's Studio" series, the butterfly is the feeble and delicate artistic disposition, and the flow of artists' self-consciousness. It is a brilliant flight but a lonely and wretched state, and it is hope but an unstable scar. Sometimes the butterfly, which even triggers crudeness and fear in the empty indoor landscape, acts as a powerful mechanism of crossing over the border between reality and non reality, while it maintains an endlessly transforming rhetoric state. ● While the butterflies in Nam's paintings illustrate the dually overlapping parts where dream and reality intersect, as in the "butterflies of Chuang-tzu", the skull is a dualistic rhetoric of life and death. The skull carries dual significance as it is both death, which is the peak of vanity, and also holiness. In Nam's paintings, the candle travels between existence and non-existence through the state of burning and blown out, while the wings reveal the two sides of desire for flight and endless fall as in those of Icarus. The hourglass symbolizes the flow and stop of time, and the limit of life. The lily symbolizes pureness and truthfulness. The transparent bottle is the essence of unchangeable truth, but also shares the duality called weakness due to its easily breakable nature. The Jesus statue, which appears from time to time is "God" as a seeker of truth, but also a "human" with internal sadness. ● The objects in Nam Kyung-Min's paintings carry codes of death and loss as in the skulls, candles and wings, but also evoke philosophical epistemology such as life and death, or existence and time. Perhaps this is why her paintings are filled with "sensuous" colors, but also open a space for "thought." ● Such objects, filled with non-decisive and dual significances, overlap in a single picture-plane or interconnect like a chain, preventing clear comprehension of Nam's paintings. As Annunciation 1- Invitation, in which candles, skulls, wings and lilies harmonize with scenes of the Annunciation and banishment from Eden, postponed clear interpretation of spectators, Nam Kyung-Min's paintings create fundamentally undecipherable narratives or allegories like a "copy of continuously overwritten parchment." Before her paintings that travel between metaphor and metonymy, spectators conceptually participate in an intellectual game to decipher the coded message, and happily experience the poetic associations. Dual Structure of Nam Kyung-Min's Paintings, in which Time-Space Overlaps — Realm that Cannot be Signified through Language ● Nam Kyung-Min's paintings maintain a peculiar dual structure, in which the inside and outside communicate through windows and doors, and various time-spaces overlap in a single picture-plane. Though they are actuall in the foreground, the curtains, windows, mirrors and stairs assume a different space and extend existing limited space. The curtains and doors painted in the beginning of Nam's indoor landscapes are certain borders or thresholds that enable one to travel to another time-space, which enables us to assume the existence of spectators looking at the picture-plane from outside. By doing so, many layers of time-space, such as the space in front of the curtains, the inner space beyond the curtains, the space outside the window, and the space inside the mirror, can be overlapped on the picture-plane. For example, the curtains and spiral stairs in Picasso mix up the utopian time-space of the future, suggested by the position of the spectator(artist), Picasso's studio space, and the spiral stairs, nullifying the consistency of time-space. ● Thus the windows and doors as passages between the inner space and outer space in Nam's paintings are not geographical borders, but rather points where physical space and psychological space meet, or a transparent screen that enables free flow of consciousness. Especially, the windows opening to the outside are passages that open the present concealed world to the outside. This is consistent with the ideals of painting, which intends to open another world in a given world. As if to reflect this, in her paintings the windows overlap with the paintings. This window and painting facing outward is a window towards the reality sought by painting, ever since the Renaissance period, which visualizes the ideal world on the other side of reality that makes us thirsty and longing. ● In addition to windows another element that recomposes perceptive space is the mirror. Especially the reflected images in mirrors and windows distort the existing visual structure we are used to, and dismantle the unity of perceptive space and consistency of time-space. For example, in Three Chairs, a chair is reflected twice and three-fold in a mirror to implicate heterogeneous time-space and push space deep into the mirror. In Mondrian's Studio, the mirror in the front reflects the scenes before the mirror exactly, but makes it obscure whether the reflection is from outside the mirror, belongs to the inside of the mirror, or is painted on the surface of the mirror. In the mirror of Annunciation 2, the angle is eliminated from the reflection, and in Rest- Entering a Baroque Mirror, the mirror reflects objects from the same surface and the mirror, instead of objects in front of it. In Nam's paintings we can tell that the reflected images in the mirrors coincide with the objects, but strangely run against them. Perhaps it is because of such peculiar picture-plane structure, which shakes the center of stable perception, that her paintings are accompanied by unknown instability and strangeness. ● Such strange instability is sensed in Annunciation 2, Artist's Butterfly Collection and Sad Beauty is Beautiful, which use classic-style interiors as backgrounds. The artist summons a museum, which preserves the past, an arch-shaped classical architectural structure, an angle from the Annunciation, classical structures, and other old things to a point in the present. Such things, which have been familiar from long ago, are no longer familiar. They now present inner tension and a strange fear like before a storm due to archaic stillness and the movement of butterflies that shake it, and the subtle intersection of light and darkness. The perspective mechanism, which amplifies the level of uneasiness and tension, strengthens such uncanny sentiment of friendliness and strangeness closely encountering. ● Though Nam's paintings borrow images from the familiar masters in the form of homage, they evoke not generally uniform symbols, but a realm that exists outside clear language, and cannot be signified in language. This was possible because of the allegorical effect of the objects with overlapping meanings, and the peculiar space structure that scrambles stable perception. Her paintings are mysterious and illegible, but are a world of punctum, which stabs our peaceful consciousness. Perhaps Nam Kyung-Min's paintings, which are in gear but mutually counter at the same time, are in the place of the "window"—her subject of attention. This place is the border between inside and out, the border between the visual and the linguistic, the border between consciousness and unconsciousness, and the border between reality and the heart. It is at that border that our consciousness cracks and the boundary of perception is expanded. Perhaps that is when we can properly ramble in and absorb the inner world, the landscape of the heart. ■ Bae, Myung-Ji

Vol.20100318f | 남경민展 / NAMKYUNGMIN / 南炅珉 / painting