여전히 나에게 뜨거운 이미지 중 하나

허구영展 / HEOKUYOUNG / 許求寧 / mixed media   2019_1119 ▶︎ 2020_0105 / 월요일,1월 1일 휴관

허구영_두 조각 - 파랑, 노랑, 빨강으로부터_ 면천에 드로잉, 아크릴채색, 스프레이 페인트_65×53cm_2019

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초대일시 / 2019_1119_화요일_06:00pm

전시설명 / 주중 02:00pm, 04:00pm / 주말 02:00pm, 04:00pm, 06:00pm 문의 / Tel. +82.(0)2.760.4626 자세한 내용은 홈페이지(www.arko.or.kr)와 아르코미술관 SNS(@arkoartcenter)를 통해 확인하시기 바랍니다.

관람시간 / 11:00am~07:00pm / 월요일,1월 1일 휴관 문화가있는날(매월 마지막주 수요일) / 11:00am~09:00pm

한국문화예술위원회 아르코미술관 ARKO ART CENTER 서울 종로구 동숭길 3 제2전시실 Tel. +82.(0)2.760.4850 www.arko.or.kr www.facebook.com/arkoartcenter

주로 대전을 중심으로 활동하는 허구영은 그동안 작품의 장르화, 대상의 타자화에 대한 경계심을 근간으로 매체간의 전이, 전환, 간섭이 발생시키는 감각과 개념의 다층적 관계를 탐색해왔다. 이를 위해 선보인 작업들은 차용과 오마주, 자기 참조 작업을 비롯하여 회화, 설치, 영상, 텍스트, 월드로잉이 서로에게 관여하는 방식으로 70년대 이후 한국미술의 흐름에 나타났던 개념미술의 경향을 이어가고 있다. 특히 오브제의 비물질화에 대한 관심을 주축으로, 사물의 재해석, 무용한 것에 대한 새로운 가치 부여, 권위적 장르화에 대한 저항적 태도를 작업으로 치환하여, 정체된 미학, 나아가 미술 자체에 대한 질문과 대답을 예술적 수행으로 끊임없이 새롭게 만든다. 대표적으로 「불사조는 재로부터 나올 것인가」(2012)는 그의 석사학위 논문 '현대미술에 나타난 오브제의 비물질화 경향'을 태워 생겨난 재와 안료를 섞어 템페라 기법으로 평면, 오브제 설치 등으로 구현한 작업이다. 이는 오브제로서의 논문을 태워서 남은 재가 다시 예술의 재료가 될 수 있을 것인가를 반문하기 위해 J.발데사리의 「소각작품(Cremation Piece)」을 차용한 것이다. ● 한편 1994년 초기 선보인 「매장된 오브제」는 말 그대로 오브제들을 절단하여 바닥과 벽에 나뭇가지와 의자 등을 부착하여 총체적 인식의 불가능성을 실험하고, '단편들로 하여금 서로를 비추고 부추기기도 하여 혹시 넘쳐나고 있을 어떤 욕망들을 와해하고자' 하는 작업이다. 나아가 「그림자–여기」(2008)에서 벽에 오브제를 설치하고, 그것을 떼어낸 후 그림자를 따라 파스텔로 그린 뒤 그림자가 드러내는 표면과의 접촉, 물질적 세계와 대척점에서의 비고정적 세계를 표현하기도 한다. 또한 일시성, 덧없는 것, 흔적, 단명성을 예술로 구현하는 현장 드로잉의 방식을 통해 특정 시공간 안에서의 일시적 수행에서 비롯한 작업을 전시장에서 하나의 사건으로 제시한다. 이번 전시에서도 작가는 상기한 이전 작업들과 그 태도의 연결성 안에서, 재료와 형식의 순환적 구조를 통해 모두 새롭게 변주한다. 그래서 그의 작업은 기존 작업들과의 조합, 분해, 조립으로 또 다른 맥락에 놓이고, 전시에 펼쳐진 작업들은 모두 또 다른 시점을 위한 매장된 물질이 된다. 전시명 「여전히 나에게 뜨거운 이미지 중 하나」도 이전에 선보인 작품명을 그대로 가져와, '여전히'가 시간의 축을 따라 지속적으로 생성, 변형되며 갖는 유효한 지점을 모색하고, 동시에 정체되지 않으려는 욕망의 역설적 표현을 전시로 구현했다고 할 수 있다. 또한 '뜨거운' 이미지가 지니는 생동감을 현재 작가를 구성하는 모종의 정체 중 일부로 간주하여, 단순한 회상이나 퇴행을 벗어나고자 한다.

허구영_기억은..._드로잉_종이에 드로잉_가변크기_2019

이렇듯, 그의 작업에서는 어떤 것이 온전한 창작물로서의 권위를 얻기보다, 또 다른 작업의 동기가 되는 순환적 성격이 두드러진다. 여기에서 원재료와 원본의 의미는 곧 폐기될 재료와 등가적이다. 즉 그에게 있어 '원본'은 그 견고함이 느슨해진 상태로, 그것이 와해된 흔적들은 어디론가 달라붙어 새로운 개념과 형태, 감각을 일으킬 또 다른 원재료가 된다. 그리고 이러한 순환적 구조는 그의 생태적 관점, 즉 모든 것은 따로 떼어 놓고 생각할 수 없고 긴밀하게 연결되어 있으며, 자연과 인간도 서로 유기체로서의 관계성을 지니고 있다는 생태계의 순환구조가 작업의 방식이 지닌 순환성으로 연결되는 것이다. 결국 가장 내적인 고민과 사유, 삶의 태도와 철학이 다종의 시각매체로 전환을 일으키면서 그 관계는 작가를 벗어나 관객과 작품이 형성할 또 다른 관계항의 촉매제가 된다. 이는 기본적으로 그가 생각하는 예술의 역할, 타자에 대한 개방성을 지향한 결과로서의 예술을 의미한다고 할 수 있다.

허구영_꿈의 조각_드로잉_종이에 드로잉_가변크기_2019

대학에서 서양화를 전공하고 현재 목원대학교 미술학부 서양화전공 조교수로 활동하는 허구영 작가는 1990년대 소그룹인 '로고스 앤 파토스' 일원으로 참여한바 있다. 주요 개인전으로는 2000년 청주 스페이스몸미술관 『the night』, 2009년 대전 이공갤러리 『여기를 보라』, 2014년 쿤스트독의 『불사조는 재로부터 나올 것인가?』, 2017년 누크갤러리의 『허구영의 낭만정원』이 있으며, 단체전으로는 1994년 국립현대미술관 『젊은모색 94』전, 1996년 대구문화 예술회관 『instal–scape』, 1998년 금호미술관 『그림보다 액자가 좋다』, 2008년 부산시립미술관 『낭비』전, 2014년 사루비아다방 『막막』전, 2018년 대전시립미술관 『전환의 봄, 그 이후』전 등이 있다. ■ 아르코미술관

부대행사 강연: 생태미학적 관점에서 살펴본 배종헌, 허구영의 작업 - 일시: 12.14(토) 14:00, 아르코미술관 3층 세미나실 - 강연자: 유현주(미술비평) 작가와의 대화: 배종헌, 허구영 작업으로 살펴본 1990년대~2000년대 초 개념미술 양상 - 일시: 12. 21(토) 14:00, 아르코미술관 3층 세미나실 - 참여작가: 배종헌, 허구영 - 패널: 김학량(동덕여자대학교 큐레이터학 교수),   박영택(경기대학교 미술이론과 교수),   이선영(미술평론가), 정현(미술평론가) 큐레이터 전시 설명: '문화가있는날' 11.27(수) 오후 7시

Still One of My Most Passionate Images ● Based in Daejeon, Kuyoung Heo has been devoting himself to the exploration of the multi–layered relationship between the senses and concepts generated from intermedia transition, conversion and interference, based on his wariness of the genre–based classification of artworks and object otherization. His works based on such perspectives are mainly created using various techniques, such as citation, hommage or self–reference, or in a way that paintings, installations, videos, texts and wall drawings get involved with each other. It is also noticeable that his works follow the trends of conceptual art which emerged in Korea's art community in the 1970s. Particularly, based on his interest in the dematerialization of objects, he converts his reinterpretation of an object, the act of granting new value to useless things and an attitude of resistance towards authoritative genre–based classification, into artworks to constantly update the questions about aesthetics with no progress, and, furthermore, to art itself and the answers thereto through his artistic performance. As one of his representative works, 「Would a Phoenix Come from Ashes?」 is created using the tempera technique with the mixture of pigment and ash generated by burning his master's thesis titled 「Trend of Dematerialization of Objects Featured in Contemporary Art」. 2–dimensional painting and object installation are combined in this work. This work borrows John Baldessari's 「Cremation Piece」 in order to ask whether the ash generated by burning a thesis as an object can be an art material. ● His other work, entitled 「Buried Object」, released in early 1994, is created by literally cutting objects into pieces and attaching those pieces together with other things, such as leaves and a chair on the wall to experiment with the impossibility of comprehensive perception. This work is intended to break down certain desires that could be overflowing by letting fragments illuminate or encourage each other. Furthermore, in his 「Shadow– Here (2008)」, he installed an object on the wall and took it off the wall again, and then drew an outline following the edge of its shadow with pastel to express the contact with the surface revealed by the shadow and the unsteady world at the opposition point to the material world. In addition, through the method of field drawing to realize temporality, vanity, traces and ephemerality in an art form, he presents his works originating from a temporary performance within a specific space–time as an event in the exhibition space. ● Even in this exhibition, he tries to create variations through the circular structure of materials and formats within the boundary of connectivity with his previous works and attitude. Therefore, his works are created by composing, disassembling and reassembling his existing works to put them in a different context. All his works laid out for the exhibition also become buried objects for another perspective. The title of this exhibition, which is 『Still One of My Most Passionate Images』, is also named after the title of his previous work. It can be said that 'Still' in the title means not only seeking a valid point which is continuously created and transformed along the axis of time, but also visualizing the paradoxical expression of a desire not to be stuck somewhere. However, he considers the liveliness featured in 'passionate' images as a part of a certain identity that he is currently working on so as to deviate from a simple reminiscence or degeneration. As stated above, his work is not intended to acquire authority as an intact creation, but is characterized by a circular nature of being a motive for other work. The meaning of raw materials and original copy is equivalent to the materials to be discarded. In other words, from his perspective, the original copy is never intact, and its disintegrated traces are meant to be attached somewhere else, to become another raw material to arouse a new concept, shape and sensation. Under such a circular structure, from his biological perspective, nothing can be taken into account individually, and everything is closely connected with each other. ● That means, the circular structure of the ecological system in which nature and human beings are closely interconnected as organisms is consistent with the concept of circularity featured in his way of working. After all, the most inner thoughts, attitudes to life and philosophical principles trigger a transition to a wide range of visual media, and the consequential relation becomes the catalyst that promotes another relation which will be formed between the visitor and the work, not by the artist. This indicates what he basically thinks the arts should do, and this means the arts as a result of being open to others. ● Graduating in Department of Painting from the College of Fine Arts at Seoul National University, he currently has the position of assistant professor in Western Painting in the Faculty of Department of Painting at Mokwon University. Besides that, he used to be a member of 'Logos and Pathos', a small group movement in the 1990s. His major solo exhibitions include 『The Night』 at Spacemom Museum of Art in Cheongju in 2000, 『Look Here』 at the Igong Gallery in Daejeon in 2009, 『Will a phoenix arise from the ahes?』 at KunstDoc Gallery in 2014, and 『Heo, Kuyoung's Romantic Garden』 at the Nook Gallery in 2017. Major group exhibitions that he participated in include 『Young Korean Artists 94』 at the National Museum of Contemporary Art in 1994, 『Instal-scape』 at the Daegu Culture Center in 1996, Frame is better than Picture at the Kumho Museum of Art in 1998, 『Busan Biennale 2008: Contemporary Art Exhibition: Expenditure』 at the Busan Museum of Art in 2008, 『Mak Mak(幕膜)』 at Project Space SARUBIA in 2014 and 『Transitional Spring & Beyond』 at the Daejeon Museum of Art in 2018. ■ ARKO ART CENTER

Program Lecture: Works of Jongheon Bae and Kuyoung Heo reviewed from an ecoaesthetic perspective - December 14th (SAT) 2pm, 3F Seminar Room - Lecturer : Hyeonju Yu (Art Critic) Talks with the Artist: Trends of conceptual art in the 1990s and 2000s inferred from the works of Jongheon Bae and Kuyoung Heo - December 21st (SAT) 2pm, 3F Seminar Room - Panels : Hakryang Kim (Professor at the Department of Curatorship, Dongduk Women's University), Youngtaek Park (Art Critic), Sunyoung Lee (Art Critic), Hyun Jung (Art Critic) Curator Tour: November 27th (WED) 7pm

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Vol.20191119e | 허구영展 / HEOKUYOUNG / 許求寧 / mixed media